Finalmente \o/ Curso de Licenciatura em Música em Macapá

A Universidade Estadual do Amapá (Ueap) lançou no dia 2 de dezembro de 2014 o Edital de Abertura do Processo Seletivo da instituição para 2015. Os estudantes vão poder se candidatar a 580 vagas em 12 cursos de graduação em áreas de engenharia, licenciatura e tecnologia, além do novo curso de licenciatura em música, incluído na grade da universidade para 2015. Podem participar do certame estudantes que fizeram a prova do Exame Nacional do Ensino Médio (Enem) em 2013 ou 2014.

Todos os candidatos têm isenção da taxa de inscrição no processo seletivo, conforme a Lei Estadual nº 1.463/2010. As inscrições começam hoje, dia 29 de dezembro de 2014 e vão até dia 16 de janeiro de 2015. O processo seletivo consta de 3 etapas:

1ª Etapa - Exame Nacional do Ensino Médio (ENEM), de caráter eliminatório e classificatório;

2ª Etapa - Prova de teoria e percepção, de caráter classificatório e eliminatório;

3ª Etapa - Prova prática (canto/instrumento) e solfejo, de caráter classificatório e eliminatório;

Isso pode ser considerado um marco na história do povo amapaense, pois é a primeira vez que uma instituição de nível superior pública oferece um curso de música. Aqui no estado, principalmente na capital (Macapá) tive o enorme prazer de conhecer músicos de diversas origens e estilos variados, cada um com suas técnicas e habilidades específicas, a maioria possuía muita garra e vontade de aprender, porém não tinham formação na área musical. Muitos autodidatas com habilidades as vezes superiores a de muitos maestros que já conheci, mas quando se trata de lecionar em uma instituição ou mesmo concorrer a algum concurso na área o certificado fala mais alto.

Muitos viajaram para outros estados para poder se formar e em seguida retornar a terra natal para poder então trabalhar no único conservatório existente aqui no estado (Walkíria Lima) até então responsável por formar os poucos músicos que obtiveram êxito nos diversos processos seletivos da vida.

Você que é músico e reside no estado do Amapá e suspirava pelos dias em que teríamos a possibilidade de formar-se aqui no estado, pode agora comemorar pois isto já é realidade. A propósito, é bom se preparar porque muitos concursos e processos seletivos passarão a exigir o nível superior em música, como por exemplo, os processos seletivos na área da educação (tanto para lecionar em conservatórios como nas escolas públicas) e também os concursos para músicos militares (bombeiro e PM, por exemplo).

Ao ler o edital pude perceber que possuo uma boa parte dos livros da bibliografia recomendada pelo edital, então pensei: poxa! meus colegas internautas precisam de minha ajuda! Então depois de ficar um bom tempo sem postar nada, resolvi arregaçar as mangas e voltar a trabalhar no meu blog e compartilhar conhecimento sólido, com embasamento teórico e, é claro, sem perder a didática, que é o que realmente torna viável o nosso aprendizado. Mas para isso preciso do feedback de vcs, caros amigos! Perguntem! Comentem! Sugiram novas idéias! Sei que não sou detentor de todo o conhecimento relacionado à música, mas concerteza estarei apto a compartilhar o conhecimento que adquiri no decorrer de minha vida como músico, acadêmico e, por que não?, como estudante também.

;)

Também pretendo publicar algumas videoaulas, principalmente as que envolvem percepção, como: solfejo, ditado rítmico e melódico, leitura métrica, e prática de instrumento. Prometo não ficar mais tanto tempo sem publicar alguma novidade. E aos que vão se inscriver no vestibular: BOA SORTE! \o/

Teoria Musical - Aula 1

Conceitos Básicos Sobre a Música e o Som

Nos textos anteriores foi visto um pouco sobre a história da música, com foco voltado à origem das notas musicais. Depois de muita história vamos agora adentrar nos conceitos e signos que regem a TEORIA MUSICAL.

Quando falamos de teoria logo vem à mente um professor, uma lousa, livros, cadernos, aquela aula chata onde o professor fala pra caramba e os alunos ficam estáticos, bocejando e esperando ansiosamente o momento do fim da aula (isso quando não resolvem matar aula por não suportar mais ver aquele cara falando sobre algo que ninguém entende).
Porém, eu vejo de forma diferente. Sempre costumo dizer que teoria musical é como uma receita de um bolo. Você pode fazer um bolo sem receita? Bom, poder até pode, porém isso vai lhe dar mais trabalho e tempo porque você vai tentar, experimentar e fracassar várias vezes até achar o ponto ideal. E com certeza se você parar de fazer bolos acabará esquecendo como se faz.
Com a música não é diferente. Quando você entende a música, você passa a "andar com os pés no chão". Se você errar (o que é normal quando estamos aprendendo) provavelmente saberá onde foi o erro e  consequentemente conseguirá, a longo ou curto prazo, resolvê-lo. A música é uma linguagem e para que uma lInguagem seja executada de forma fluente é preciso que ela seja praticada constantemente até atingir a naturalidade, e também é necessário que conheçamos os seus conceitos e regras, a sua "gramática". E é exatamente o que faremos agora: entender a gramática musical, ou seja, a partitura.

O Que é Música?

Ok, então vamos "começar do começo" (risos). Para entendermos a música primeiramente devemos saber alguns conceitos primordiais. Se alguém, por exemplo, lhe pergunta-se O QUE É MÚSICA? Qual seria sua resposta?

Muitos conhecem a música de forma intuitiva, ou seja, sabem o que é, porém, não sabem explicar o que é. Podemos encontrar vários conceitos sobre música, abordados por vários estudiosos e profissionais da área. Entre eles:

 “Música é a arte de manifestar os diversos afetos de nossa alma, mediante o som.” (Paschoal Bona)

“Música é a arte dos sons, combinados de acordo com as variações da altura, proporcionados segundo sua duração e ordenados sob as leis da estética” (Maria Luíza Priolli)

“Arte e ciência de combinar os sons de modo agradável ao ouvido. Qualquer composição musical; conjunto ou corporação de músicos; orquestra; filarmônica.” (Aurélio Buarque de Holanda Ferreira, Novo Dicionário da Língua Portuguesa).

“Qualquer composição musical; conjunto ou corporação de músicos; orquestra; filarmônica.” (Aurélio Buarque de Holanda Ferreira, Novo Dicionário da Língua Portuguesa).

“Arte de coordenar fenômenos acústicos para produzir efeitos estéticos”. (Enciclopédia Britânica – Barsa)

“Arte que utiliza os sons combinados entre si como linguagem e como elemento de comunicação”. (Enciclopédia Mirador)

“Música é a arte e ciência da combinação dos sons.” (Francisco Fernandes, Dicionário Brasileiro Contemporâneo)

“Música é a arte de combinar os sons simultânea e sucessivamente, com ordem, equilíbrio e proporção dentro do tempo.” (Bohumil Med).

“Música é a arte dos sons.” (Almir Chediak)

Como podemos ver existem várias formas de explicar o que é música. Podemos pensar na música como arte mas ela também é ciência, pois a música ocidental (herança da cultura greco-romana), como vimos em A Origem das Notas Musicais - Parte 1, surgiu com os estudos de Pitágoras, matemático grego. Posteriormente a música passou a fazer parte das quatro disciplinas que formam o quadrivium,¹ (aritmética, geometria, astronomia e música) ensinadas na fase inicial do percurso educativo nas universidades helenísticas na Grécia Antiga.

O SOM E SUAS PROPRIEDADES

Todo artista faz uso de uma matéria prima, que consiste no objeto de trabalho dele, ou seja, algo bruto que será manipulado até que, depois de muito trabalho, transforma-se em obra de arte. O pintor tem como matéria prima as tintas e a tela. O escultor tem a pedra como matéria prima. E o músico? Qual seria a matéria prima que devemos manipular para que, como resultado, obtenhamos nossa obra de arte?

Se você respondeu (ou pensou em responder) som, acertou. Se o som é nossa matéria prima, logo, a música então será nossa obra de arte acabada.

Seja você um músico compositor (aquele cria a obra, ou seja, compõe a música) ou um intérprete (aquele que reproduz algo que já foi criado por outro compositor), é importante que você entenda as propriedades do som. Elas são quatro:

Duração: É o tempo em que se prolonga o som. Caracteriza os sons como longos ou curtos.

Altura: É determinada pela frequência das vibrações. Quanto menor a velocidade da vibração, mais grave é o som e quanto maior a velocidade, mais agudo será o som.

Intensidade: Amplitude das vibrações; é determinada pela força que é empregada na execução das notas, caracterizando o som como forte ou fraco. É o grau de volume sonoro.

Timbre: É a qualidade do som, pode-se, por ele, identificar sua origem. É através do timbre que identificamos se um som vem do instrumento, como por exemplo, o piano, flauta; ou da voz humana.

Os sons também podem ser classificados como:

Sons Regulares: 

São aqueles que possuem frequências bem definidas, o que depende da regularidade das vibrações do corpo sonoro. Em outras palavras, a organização destes sons forma uma sequência chamada de escalas. Sendo assim podemos deduzir que as notas musicais (DÓ-RÉ-MI-FÁ-SOL-LÁ-SI) são sons regulares.

Sons Irregulares:

São sons indefinidos, isto é, são produzidos por vibrações irregulares. Podemos entender estes sons como qualquer som que não represente uma nota musical, ou seja, se não esta entre as notas de DÓ a SI (e nem entre os sustenidos e bemóis) então este pode ser considerado como um som irregular. Exemplo: chuva, trovão, explosão, palmas, sons percussivos (bateria), entre outros.

Detalhe: Na música utilizamos tanto sons regulares quanto sons irregulares. Não é porque chamamos de sons irregulares, que eles não possam fazer parte de uma obra (música). É possível até mesmo fazer música somente com sons irregulares. Em outra oportunidade poderemos falar sobre música corporal, que um tema muito interessante, que envolve rítmica e coordenação motora

Elementos da Música

Agora que já sabemos quais as propriedades de nossa matéria prima, resta-nos sabermos como combinar os sons para compor uma obra musical. Existem basicamente três formas de combinar os sons.

1. Melodia: Conjunto de sons dispostos de maneira sucessiva, ou seja, sons tocados um após o outro (concepção horizontal da música). Por exemplo, quando alguém canta, ou quando um músico executa um solo, ele esta tocando de modo melódico, executando as notas uma por uma.


2. Harmonia: Sons tocados simultaneamente, ou seja, os sons são executados ao mesmo tempo (concepção vertical da música). Um exemplo de harmonia é um coral de vozes, onde cada voz canta em uma nota diferente, porém, de uma maneira harmoniosa, formando um arranjo agradável aos ouvidos.


3. Ritmo: Combinação dos valores de duração do som. É a ordem e proporção em que estão dispostos os sons que constituem a melodia e a harmonia.

Considera-se imprescindível a participação dos três elementos para uma expressão musical.

Observação: Alguns autores incluem entre os elementos da música o contraponto, que consiste em um conjunto de melodias dispostas em ordem simultânea (concepção ao mesmo tempo horizontal e vertical da música).

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¹

As Sete Artes Liberais englobam dois grupos de disciplinas, o Trivium e o Quadrivium, onde o primeiro concentra o estudo do texto literário por meio de três ferramentas de linguagem pertinentes à mentes (dialética, retórica e gramática), enquanto o segundo engloba o ensino do método científico por meio de quatro ferramentas relacionadas à matéria e à quantidade (aritmética, música, geometria e astronomia).

A Matemática do Sucesso

Quando vemos uma pessoa talentosa e bem-sucedida em uma determinada área, muitas vezes ficamos propensos a pensar algo como: “Puxa, que sujeito de sorte!”, ou então: “Esse nasceu com um dom especial.” Mas será o sucesso é mesmo resultado  da sorte ou de algum dom natural? Eu tenho uma opinião divergente em relação a isso. Certo dia uma aluno me questionou se eu acreditava se ela algum dia iria tocar, pois ela achava que não possuía o "dom" para a música. Expliquei para ela que não gosto de usar este termo, pois acho muito excludente e acredito que a música não deve excluir as pessoas, discriminando-as entre as que têm dom para as que não têm. Eu sinceramente acredito que não sou músico por "dom" ou sorte, mas sim por determinação.

Em julho de 2010 a revista Super Interessante publicou uma série de artigos de capa falando sobre a ciência do sucesso. Hoje, pesquisando sobre esse assunto, encontrei esse artigo muito interessante e quero compartilhar com vocês os pontos principais.

De acordo com a reportagem da Super Interessante, novas pesquisas científicas têm demonstrado que o sucesso está muito mais relacionado com treino e fracasso do que com a sorte. Praticamente todos nós nascemos com as mesmas chances de ter sucesso na vida, porém, nem todos conseguem.

Mozart em Verona por Dalla Rosa 1770

Quando pensamos em algumas pessoas que parecem ter habilidades sobrenaturais, como Mozart, por exemplo, parece difícil acreditar que estes tipos de pessoas simplesmente não nasceram com um dom especial. Entretanto, uma análise mais profunda de suas vidas revela o contrário. Por exemplo, Mozart foi uma criança prodígio: começou a tocar piano aos 3 anos de idade. Aos 5 já compunha, aos 6 se apresentava de olhos vendados ao rei da Bavária e aos 12 anos terminou sua primeira ópera. Por tudo isso, ele vem sendo citado há séculos como prova absoluta de que talento é algo que alguns poucos escolhidos recebem desde o nascimento. Mas a verdade não é bem essa. Mozart não foi simplesmente agraciado com um dom especial. Seu pai era professor de música, e se dedicou a educar o filho desde cedo. Mozart passou praticamente toda infância na frente de um piano. Mesmo assim, suas primeiras composições não eram exatamente obras-primas — longe disso, estão cheias de repetições e de melodias que já existiam. Na verdade, os críticos de música consideram que a primeira obra realmente genial de Mozart foi um concerto que ele escreveu em 1777, quando já tinha 21 anos. Conclusão: embora tenha começado muito cedo, Mozart só demonstrou ser um gênio após 15 anos de treino!

A mesma coisa pode ser observada com talentos das mais variadas áreas. O maior jogador de futebol de todos os tempos, o “rei” Pelé, disse em um documentário que “depois do treino (quando todos os outros jogadores iam embora), ele ficava praticando cabeçadas e chutes a gol”. Outro craque de futebol, Ronaldo Fenômeno simplesmente tinha que ser arrancado à força dos campos de futebol quando era criança porque não queria fazer outra coisa senão jogar bola. Michael Jordan era sempre o primeiro a chegar e o último a sair dos treinos de basquete. E Bill Gates passou a maior parte da sua adolescência programando computadores enfurnado em uma sala da Universidade da Califórnia. Portanto, fica claro que essas pessoas bem-sucedidas que parecem esbanjar talento, na verdade se esforçaram muito antes de atingir o sucesso.

Isso está em completa harmonia com a nova maneira como os cientistas estão enxergando a influência da genética na formação de talentos. Aquilo que muitas vezes chamamos de “aptidão natural para liderança” ou “talento nato para os esportes” aparentemente não tem nada a ver com o nosso DNA. O professor de psicologia da Universidade da Flórida, Anders Ericson, que estuda há 20 anos por que algumas pessoas são mais bem-sucedidas do que outras disse que “não existe nenhuma evidência de que exista uma causa genética para o talento ou o sucesso de alguém.”

Em 1992 pesquisadores ingleses e alemães decidiram investigar o que diferenciava pessoas talentosas dos demais cidadãos comuns. Para isso estudaram pianistas profissionais e os compararam com pessoas que haviam tentado tocar piano mas desistido. Curiosamente, os cientistas não conseguiram achar ninguém com habilidades excepcionais entre as 257 pessoas estudadas: todas eram dotadas da mesma maneira. A única diferença encontrada foi a seguinte: os fracassados passaram muito menos tempo estudando e treinando do que os bem-sucedidos. Conclusão: o que faltou não foi talento, foi dedicação.

Tudo bem, talvez você já soubesse disso: “a prática leva a perfeição”. Mas aqui está a novidade: os cientistas descobriram a MATEMÁTICA DO SUCESSO. Ou seja, pela primeira vez eles conseguiram medir o tempo de estudo necessário para alguém se destacar em uma área: 10 mil horas. Depois de observar os grandes talentos das mais diversas áreas, o especialista em sucesso Anders Ericson chegou a esse número. Ele concluiu que todo mundo que foi alguém, desde o campeão de xadrez Kasparov ao Steve Jobs, ficou pelo menos 10 mil horas aperfeiçoando seu ofício. E ele não está falando em exercícios leves. O que faz alguém ficar realmente bom em algo é um treino duro, dolorido, praticamente no limite do que pode ser feito. Por exemplo, estima-se que Amadeus Mozart aos 6 anos já tinha estudado cerca de 3.500 horas de piano, ou seja, ele não era talentoso, era extremamente dedicado.

AGORA VEM A MATEMÁTICA: Se você quer ter muito sucesso em uma determinada área, passe 10 mil horas treinando! Foi isso que os maiores talentos de todas as áreas fizeram! Não depende de algum “dom natural”, depende da sua dedicação! Veja na tabela abaixo o que isso significa em anos.

Resumindo, se vc realmente quer ser um músico bem sucedido não faça corpo mole, estude bastante, se dedique ao máximo (é claro, tudo dentro dos seus limites, vc não pode exigir demais de si mesmo, pois isso não vai ser saudável para seu desenvolvimento musical) e acima de tudo ame o que vc faz, não faça simplesmente por obrigação. Eu tenho um lema que carrego comigo: "se o que vc faz não lhe satisfaz, não faz sentindo continuar fazendo. Mas se vc realmente quer e acha que vale a pena, acredite, insista e realize". Um abraço a todos!

Fonte: Blog do Dani Edson

A Origem das Notas Musicais - Parte 3

Modos Gregos – A Origem  A música antiga (mais precisamente, aquela que vai até o século XII) empregou um sistema especial de escalas às quais se dá o nome de modos. Dando continuidade ao assunto que vem sendo abordado desde o início deste blog (a origem das notas musicais) vamos falar hoje sobre os precursores de todas as escalas que conhecemos hoje no nosso sistema ocidental (temperado): Os Modos Gregos. Dentre os povos antigos, os gregos foram os que mais se destacaram pelo amor e cultivo das artes. Foram os gregos que criaram a própria palavra “MÚSICA” que quer dizer “ARTE DAS MUSAS”. Sua escala era baseada em TETRACORDES (sequência de quatro notas seguidas) que recebiam o nome de modos. Estes adquiriram nomes diferentes conforme as regiões da Grécia em que predominavam, consoantes às tradições culturais e estéticas de cada uma delas. Assim, cada uma das regiões da antiga Grécia deu origem a um modo (organização dos sons naturais) muito próprio, e que adaptou a denominação de cada região respectiva. Desta forma, aparece-nos: • O MODO DÓRICO (Dória) – Platão considerava o modo dórico solene e grandioso, por despertar a virtude e a coragem; • O MODO FRÍGIO (da região da Frígia) – Este modo materialista e sensual, favorecia a impetuosidade e a orgia; • O MODO LÍDIO (da Lídia) - Afável, doce e sensual, o modo lídio era usado nos cantos juvenis, pois favorecia a educação, despertando o gosto pelo belo e pelo puro. Também aparece outro — que é uma mistura dos modos lídio e dórico — denominado MODO MIXOLÍDIO.  O sistema tonal grego teve por base o “tetrachordon”, interpretado na lira de 4 cordas. Os modos eram originalmente formados por apenas quatro notas. O modo Dórico era considerado o modo principal por ser adotado em toda a Grécia. Servia de base para todos os hinos e canções patrióticas. Bem mais tarde, na Idade Média, esses conceitos influenciaram a música cristã. Os modos foram usados especialmente na música litúrgica da Idade Média, sendo que poderíamos também classificá-los como modos "litúrgicos" ou "eclesiásticos". Existem historiadores que preferem ainda nomeá-los como "modos gregorianos", por terem sido organizados, também, pelo papa Gregório I, quando este se preocupou em organizar a música na liturgia de sua época.  Pesquisas revelaram que os modos gregos começavam em notas diferentes das dos homônimos eclesiásticos. Além disso, os gregos consideravam a escala no sentido descendente. Os modos litúrgicos conservam o nome dos modos gregos, mas a sua formação é diferente: começam com outra nota e sua disposição é ascendente. Os modos litúrgicos podem ser comparados às escalas diatônicas modernas, encontrando-se em cada um deles uma nota diferencial. O intervalo entre a tônica e a nota diferencial é o intervalo característico. O modo dórico é um modo menor (há um intervalo de terça menor entre os graus I e III). O intervalo característico é 6ª M. O modo frígio é um modo menor (há um intervalo de terça menor entre os graus I e III). O intervalo característico é 2ª m. O modo lídio é um modo maior (há um intervalo de terça maior entre os graus I e III). O intervalo característico é 4ª Aum. O modo mixolídio é um modo maior (há um intervalo de terça maior entre os graus II e III). O intervalo característico é 7ª m. Os intervalos característicos são também chamados de sexta dórica (6ª M), segunda frígia (2ª m), quarta lídia (4ª Aum) e sétima mixolídia (7ª m). No século XVI surgiram os modos eólio e jônio. O modo eólio é um modo menor (há um intervalo de terça menor entre os graus I e III). O modo eólio, como veremos mais a diante, tornou-se modelo para a formação das escalas menores na forma primitiva. O modo jônio é um modo maior (há um intervalo de terça maior entre os graus I e III). O modo jônio, como veremos mais a diante, tornou-se modelo para a formação das escalas diatônicas maiores. Com o passar dos anos houve um processo de desenvolvimentos e de sucessiva decadência da lógica modal, que levou ao surgimento do sistema tonal. O temperamento da escala e a estipulação de uma afinação padrão, fizeram com que os modos perdessem gradativamente sua importância visto que a escala cromática englobava a todos.No fim da Idade Média, por volta da metade do século XVI, a música erudita foi dando preferência aos modos jônio e eólio que passaram então a chamar-se, respectivamente de “modo maior” e “modo menor”. Observação: Se durante a leitura deste post você se viu confuso em meio a certas nomenclaturas e sinais de escrita musical, não se preocupe, mais adiante falaremos da formação das escalas maiores e menores (inclusive as menores melódicas e harmônicas), escrita musical (partitura, tablatura e cifras) e muitos outros assuntos interessantíssimos para os amantes apaixonados por música e iniciantes neste mundo místico, filosófico, poético, artístico, científico, alucinante, surpreendente e desafiador, que é a música. Até a próxima!!!

Agenda Cultural

Concerto da Camerata Essência
Dia 31 de Maio
Museu Sacaca as 19:00 Horas  

Olá galera de Macapá - Amapá - Brazil !!! Gostaria de convidar a todos apaixonados por música clássica para um grande evento que ocorrerá dia 31 de Maio no Museu Sacaca às 19:00 horas. Concerto da Camerata Essência sob a regência do maestro Elias Sampaio e participação dos polos do Sistema de Bandas e Orquestras do Estado do Amapá. Contamos com a participação de todos, convide seus amigos e familiares para que todos possam conhecer este trabalho de inclusão social realizado em nosso estado.

A Origem das Notas Musicais - Parte 2

Série Harmônica

No texto anterior falamos a respeito dos experimentos que Pitágoras realizou com uma corda, sobre as diversas frequências que foram percebidas por ele, e pelos cálculos matemáticos por ele realizados e as conclusões que ele obteve desta experiência. Agora abordaremos outro assunto, que dá continuidade e melhores esclarecimentos a respeito do assunto anterior e que também é fruto dos estudos de Pitágoras: Série Harmônica.

Acredito que poucos têm conhecimento deste assunto, seja por ser considerado por alguns, algo puramente teórico (ou seja, sem aplicação prática) ou por ser considerado por outros como algo complexo demais, possível de ser interpretado somente por matemáticos e físicos. Mas na verdade ao estudarmos série harmônica, passamos a entender melhor como funciona a lógica da harmônica e da melodia, sendo que, para muitos, harmonia (acordes, intervalos, dissonâncias, contraponto, improvisação, etc.) é algo complexo, místico, difícil de entender e de explicar, fazendo com que muitos músicos a entendam e a desvendem por meio de experimentações, o que também faz parte (improvisação envolve experimentos musicais), mas quando você possui o conhecimento teórico o caminho se torna bem mais curto.

Lá pelo século VI antes de Cristo, Pitágoras afirma, através de seus experimentos e pesquisas, que para um som qualquer ser considerado como som musical ele deve possuir algumas características físicas, como por exemplo, oscilações bem definidas (independente de o som ser emitido por um instrumento ou por uma fonte natural) resultando em uma fonte ondulatória regular. Entende-se, no caso por oscilações bem definidas o fato de que um som musical, na grande maioria das vezes, ocorre de forma sustentada (pouco ou muito), de maneira que sua característica de oscilação se mantém por alguns ou por muitos ciclos, diferente dos ruídos (sons não musicais).

 

Esta vibração é composta por um som gerador (1ª nota, ou podemos chamá-la também de fundamental) e outros sons definidos de intensidade menor e maior frequência (mais agudos) ao qual chamamos de SONS HARMÔNICOS ou SÉRIE HARMÔNICA.

A Série Harmônica apresenta uma relação intervalar característica e imutável de origem natural ou física. Vamos pegar como exemplo uma corda de um instrumento qualquer (violão, piano, violino, violoncelo) e supondo que esta ao vibrar soe a nota Dó, notaremos que ao vibrar em toda a sua extensão, também vibra em sua metade, em sua terça parte, em sua quarta parte, quinta parte, etc., produzindo sons cada vez mais agudos.

Ao movimento de ida e volta da corda chamamos de ciclo. E à quantidade de ciclos que a corda realiza em um segundo chamamos de frequência que é medida em Hertz. Ao tocarmos a corda mencionada anteriormente (Nota Dó) temos o primeiro ciclo. No segundo ciclo a corda se divide ao meio reproduzindo a mesma nota anterior, porém com o dobro da frequência, ou seja, uma oitava acima. No terceiro ciclo a corda se divide em três partes soando uma nota equivalente ao quinto grau do som gerador uma oitava acima, neste caso, a nota sol, correspondendo ao intervalo de 12ª da nota fundamental. No quarto ciclo ela se divide em quatro partes, onde cada quarta parte soará a nota fundamental duas oitavas acima. No quinto ciclo ela se divide em cinco partes, sendo cada quinta parte correspondente ao intervalo de 17ª, ou seja, o mi duas oitavas acima da fundamental. E essa subdivisão prossegue de forma infinita.

A Série Harmônica é fisicamente infinita, e suas primeiras 16 notas surgem, ao subdividir uma corda vibrante (experiência de Pitágoras) em 2 – 3 – 4 – 5 – 6 – 7, etc. parte iguais.

No gráfico abaixo é possível ver as 16 primeiras notas da série harmônica com a fundamental (som gerador) em DÓ.

Podemos observar que assim como a fração correspondente à metade do comprimento da corda corresponde à oitava da fundamental, a quarta parte dela corresponde a duas oitavas acima da fundamental, a oitava parte corresponde a três oitavas acima e assim sucessivamente. Da mesma forma, o som correspondente à sexta parte do som gerador soa uma oitava acima da terça parte, que neste caso é sol. O som correspondente à décima parte soa uma oitava acima do som correspondente à quinta parte.

Em alguns instrumentos é possível produzir harmônicos superiores sem a nota fundamental estar presente. Em um instrumento de cordas, se beliscarmos uma das cordas com um dedo da mão direita enquanto tocamos levemente, sem pressionar, esta corda com um dedo da mão esquerda em determinadas regiões do braço do instrumento podemos ouvir distintamente o harmônico correspondente, porque na verdade os outros harmônicos são eliminados (ou sua intensidade é reduzida). Aproximadamente na mesma época em que Pitágoras realizava experimentos com o monocórdio (instrumento que possuía uma corda somente) os chineses também realizavam pesquisas com harmônicos através de flautas.

Este assunto pode até parecer um pouco chato (ou não) para alguns, ou teórico demais, mas acreditem, entendendo melhor a Série Harmônica é possível entender melhor a formação das escalas e consequêntemente a aplicação delas na improvisação e na harmonia (assuntos que serão abordados nos próximos tópicos). Um abraço a todos e até a próxima!!! ;)

A Origem das Notas Musicais – Parte 1

A História da Escala de Dó Maior

Se você é músico (estudante ou profissional) provavelmente já estudou ou ouvir falar sobre Escala de Dó Maior. Se você já toca, é bem provável que esteja pensado: “pow! fala sério! Escala de Dó é a coisa mais fácil do mundo”. Realmente a Escala que hoje conhecemos como Dó Maior é bem simples, pois é formada somente por notas naturais (as notas que já conhecemos:  DÓ – RÉ – MI – FÁ – SOL – LÁ – SI e o DÓ novamente uma oitava acima). Porém, pra que pudéssemos ter essa escala bonitinha e tão simples assim como a conhecemos, houve todo um processo de estudos, cálculos matemáticos, testes e muita discussão e adaptações para que enfim pudéssemos ter convencionadas todas estas notas, dispostas com seus respectivos tons e semitons.

Há milhares de anos atrás existia um cara louco por números chamado Pitágoras, ele acreditava que o universo todo era regido pelos números (e em parte ele não estava errado). Então um belo dia, fazendo experimentos com um monocórcio (instrumento de uma corda só) ele observou que ao tocar a corda do instrumento e fazê-la vibrar ela produzia um som determinado e que se a corda fosse dividida ao meio, esticada e novamente posta em vibração, o som emitido por ela soava mais agudo e guardava uma relação muito interessante com o primeiro (exatamente uma oitava acima).

Vamos fazer uma relação com uma corda de um instrumento, como por exemplo, de um violão, supondo que a corda solta soasse a nota Dó. À medida que o instrumentista vai apertando a corda em regiões diversas do braço do instrumento ocorre uma variação no comprimento da corda e, consequentemente, também varia a freqüência (altura) do som emitido. Pitágoras observou que ao dividir a corda na seguinte proporção: 1/2, 1/3, 1/4, 1/5 foram obtidas as seguintes notas: DÓ, SOL, FÁ e MI.

 

Como a frequência do som produzido por uma corda vibrante é inversamente proporcional ao comprimento da corda, se atribuirmos o valor 1 à frequência fundamental da corda, as frequências das outras notas que acabamos de obter resultam: mi = 5/4, fá=4/3, sol=3/2. Assim, as notas musicais são geradas a partir de relações de números simples com a frequência fundamental. Ao multiplicarmos a frequência de uma nota por 2, obtemos uma outra nota que recebe o mesmo nome da anterior. Se multiplicamos a frequência por 3/2, obtemos uma nota que guarda com a anterior uma relação harmônica tão interessante que ela recebe um nome especial: a dominante (5º grau da escala).

É claro que uma escala musical com quatro notas só, como a que obtivemos acima, é muito pobre, mas a verdade é que todas as notas musicais podem ser geradas a partir da dominante. Por exemplo, se quisermos saber qual é a dominante do mi, só precisamos multiplicar a frequência do mi por 3/2: 5/4 x 3/2 = 15/8; obtivemos outra nota, que chamaremos de si.

Se multiplicarmos a frequência do fá por 3/2 obteremos a própria nota dó, provando assim que a dominante do fá é dó: 4/3 x 3/2 = 12/6 = 2.

Já sabemos que sol é a dominante de dó; para saber qual é a dominante do próprio sol, fazemos 3/2 x 3/2 = 9/4. Obtemos então uma nota mais aguda que o segundo ré; dividindo sua frequência por 2 (para que ela fique na primeira gama que estamos tentando preencher), 9/4 x 1/2 = 9/8 obtemos assim uma outra nota, que vamos chamar de ré.

Assim, seguindo o método acima, procurado achar a dominante de cada nota obtida (multiplicando sua frequência por 3/2), acabamos por obter a escala diatônica completa:

dó

ré

mi

fá

sol

lá

si

dó

1

9/8

5/4

4/3

3/2

5/3

15/8

2

V

V

V

V

V

V

V

9/8

10/9

16/15

9/8

10/9

9/8

16/15

Percebemos que a dominante é o quinto grau da escala. Uma quinta acima do dó está o sol; uma quinta acima do sol está o ré; uma quinta acima do ré está o lá; assim, seguindo o ciclo das quintas, obtemos todas as notas da escala cromática e retornamos ao dó.

Para sabermos em que ponto da corda dó o instrumentista deve pôr o dedo para obter as notas sucessivas da escala diatônica, basta olharmos a figura abaixo:

Na verdade existem infinitas possibilidades de frequência entre estas notas que conhecemos, porém, algumas delas nem são percebíveis pelo ouvido humano. As possibilidades de frequências que Pitágoras encontrou gerou sons que não estão na escala de Dó Maior mas estão entre as notas da escala e não estou falando só dos sustenidos, pois, fisicamente, existem intervalos menores que um semitom que também são perceptíveis pelo ouvido humano. Antes da Escala Cromática (escala formada toda por semitons) ser convencionada do jeito que conhecemos hoje com 12 notas, existiam outros intervalos entre um som e outro: o semitom maior e o semitom menor (ou seja, um intervalo um pouco menor de um semitom e outro maior). Porém, ao ter que transpor uma música para uma tonalidade diferente estes intervalos menores geravam muitas sonoridades desagradáveis, por isso decidiu-se juntar os semitons menores e os maiores em um único semitom, mas este é um assunto um pouco mais extenso que estarei abordando em um momento mais adiante.

Este pequeno tema que foi abordado sobre a origem e as convenções das notas musicais é uma simples gota no oceano em meio a muitas outras coisas que podemos abordar sobre a música, mas mesmo assim esse assunto ainda vai dar muito que falar! 

Um Abraço a todos e até a próxima postagem!!!